Hablamos de proyectos artísticos, pero ¿qué es eso? Hay muchas manifestaciones en torno al arte y, a veces, los límites, generan confusión en conceptos difíciles de abordar. Pero aún así, no todo vale. ¿Por qué sí o por qué no? ¿Quién decide cuando un proyecto es válido y en base a qué? ¿Para quién tiene interés? ¿Por qué se gesta esa necesidad? ¿Qué metodologías se llevan a cabo en estas cuestiones? ¿Quién es quién en todo esto? Y tú, ¿qué te cuentas?





martes, 14 de diciembre de 2010

MANIFIESTO DE “Las Faranduleras de La Trasera” 2010

farandulero,-ra s. m. y f.

1. Artista que se dedicaba a representar obras de teatro cómicas, generalmente recorriendo los pueblos.
Diccionario Manual de la Lengua Española Vox. © 2007 Larousse Editorial, S.L.


farandulero, farandulera: adjetivo y sustantivo coloquial trapacero.
2. Uno y otro se dicen de la persona que habla de manera confusa.
Diccionario Manual de Sinónimos y Antónimos de la Lengua Española Vox.© 2007 Larousse Editorial, S.L.

QUIÉNES SOMOS: Las Faranduleras es un grupo de investigación sobre procesos artísticos paralelos a exposiciones de arte contemporáneo en museos y centros de arte de Madrid formado por Licenciadas en Bellas Artes de la UCM, que promueve el Vicedecanto de Extensión Universitaria de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, compuesto por: Ana Mª Serpa, Alicia Juan Lobato, Gracia Texidor, Raquel Casilda y Elena Vega.


QUÉ HACEMOS: Línea de trabajo en dos direcciones:


- Temática: Exposiciones: organización, formatos, metodologías, financiación, etc.


- Formal: Estrategias de documentación y de visualización de la misma en una investigación. Búsqueda de dispositivos de exposición.

DÓNDE ESTAMOS: En “La Trasera” de la sala de exposiciones de la Facultad de BBAA de la UCM, espacio multifuncional. El uso que Las Faranduleras hacen de él, es simultáneamente como lugar de trabajo y de exposición.


CUÁNDO: Empezamos con en la exposición “Antes que todo” del CA2M iniciada el 18 de septiembre y finalizada el 9 de enero de 2011. La investigación generó, además de materiales expositivos, fruto del desarrollo de la misma, debates, análisis y propuestas que podrán continuarse aplicando e investigando en posteriores encuentros, estableciendo nuevos modos de hacer para que el espacio funcione en paralelo a la muestra seleccionada, estableciendo una comparación del movimiento artístico actual.


CÓMO LO HACEMOS: Primero establecemos contacto con una posible exposición y su equipo antes de que dé comienzo. Nos reunimos con el contacto y empezamos a desarrollar estrategias de trabajo para empezar a trabajar (documentación, información, debate, intercambios, qué queremos hacer).
Se distribuye el trabajo y lo ponemos en común en nuestras reuniones semanales y hacemos uso del blog abierto para la publicación de nuestros avances. Nos interesa este formato por su funcionalidad y porque es un registro de la evolución del trabajo, de su crecimiento.


POR QUÉ: El interés por los resortes que activan los dispositivos artísticos por excelencia como son las exposiciones, así como el análisis del panorama del arte contemporáneo español, es algo inevitable para los Licenciados en Bellas Artes, pues podemos acabar desempeñando muchos y muy diferentes puestos dentro de esa maquinaria.


Por otro lado, el formato de Making off, la duración finita y las propuesta de visualización constante, de exposición simultánea, vienen dados por la búsqueda de alternativas a los almacenes de documentación, a la generación de montañas de papel acumuladas en estanterías llenas de polvo.


Queremos que la investigación sea algo vivo, cuya edición y selección siempre genere un discurso, el cual, como artistas, queremos utilizar, ya no sólo respecto al tema en cuestión, si no respecto al concepto de investigador en bellas artes, un terreno poco definido y muy abierto, y que acarrea todo lo positivo y lo negativo que esto conlleva.

jueves, 11 de noviembre de 2010

EL ESPECTADOR SUSPENSO, Isidoro Valcárcel Medina
Lecturas de verano CA2M, Agosto 2010


Fragmento del texto de la conferencia pronunciada el 27 de septiembre de 1997 en Castelló de la Ribera, Alicante, dentro del ciclo Distància: art espectador. Publicado en Ànimes de Cànter, n.º 1 (Castelló de la Ribera, septiembre de 1997).

Cuando se inicia una disertación sobre el tema del espectador en el mundo del arte es preciso hacer, en mi caso, una advertencia de capital importancia: este espectador sólo existe porque ese mundo de la creatividad está malformado. Pretendo decir con esto que no debería existir un contemplador no autor, rigurosamente considerados ambos. Es la contrahecha estructura cultural la que permite el sinsentido de un hombre que se limita a mirar lo que otros hacen. Si admitimos, como parece inevitable, esta última frase como una definición del espectador —aquél que se contenta con ver lo que se produce fuera de su espacio—, no es posible eludir la evidencia de que una tal pasividad no es humana, de que semejante indolencia creativa es algo contrario a la esencia misma de la naturaleza del hombre.

Conscientes de este desequilibrio (creador-contemplador, emisor-receptor, autor-espectador… o como queramos llamarlo), las buenas almas protectoras del tinglado cultural han acuñado el eslogan de que una obra de arte no se culmina hasta que alguien ajeno a ella la contempla…; o también, de que cada espectador sólo ve la obra a la que ha dado el toque final de su interpretación personal… Cosas ambas que se resumen en el gran hallazgo de la condescendencia: hay tantas obras como contempladores. Así que voy a hablar del espectador del arte (y algo también del arte mismo) pero dejando claro previamente que voy a ocuparme de una entelequia, de una falsedad: el arte es acción ¡por fuerza! Y sólo acción.

Dicho de otra manera: no es posible ser espectador de una cosa llamada arte, porque esa cosa, cuando se halla en condiciones de ser contemplada, ha muerto. El espectador del arte es, como consecuencia, no ya el degustador de un cadáver, sino, en aplicación sensata de una lógica incuestionable, cadáver él mismo, o, peor aún, individuo con aspiraciones escatológicas.

Y ahora, tras pedir que se me permita pasar de largo por la condición también expectativa de los artistas, no puedo ahorrar unas palabras para éstos, quienes están tan contentos de tener una abundancia tal de espectadores (de hecho, se quejan de que no sea aún mayor el interés por el arte) que les permite ser minoría, escandalosa, sí, pero sin más consuelo que el ser tuertos en un país de ciegos. Los creadores de oficio no podrían soportar la carencia de observadores de su quehacer personal… los consideran parte esencial de su trabajo… Por esa razón, con harta frecuencia, hacen protesta de la autonomía de su actividad artística, a la cual consideran por encima del bien y del mal.

Y aún queda otro estamento al que sería injusto no darle, por mi parte, su ración crítica. Hablo del poder en general; es decir, de aquellos organismos o instituciones que, ahora más que nunca, han descubierto la conveniencia de tener muchos espectadores (pediría a mis oyentes que no pasaran descuidadamente por el sentido de esta frase).

De una manera oficial, hoy el arte es ya una materia de contemplación. Podría decirse que se ha conseguido que la barahúnda de los espectadores constituya una fuerza real en el mercado, sea éste político o económico.

He aquí cómo yo me veo en trance de hablar de algo que es falso por principio…; de unas personas que son un simulacro de su propia naturaleza…; de una estructura que se mantiene a costa de tergiversar la idea misma de la creatividad (idea que es equivalente a la del arte y asimilable a la acción)…

Y como he dicho que arte es, inevitablemente, acción, el espectador resulta ser un ente ficticio que permanece sentado mientras se mueve.

¿O acaso su misión es echar el freno a la efervescencia del arte; dar, en una palabra, por terminada la obra? De todo esto voy a intentar hablar, pero ha de recordar el oyente que él, si de verdad ama el arte (¡esta charla es arte, qué duda cabe!), no debería escucharme, no debería ser espectador.
[…]
Yo acostumbro a decir (y acostumbran a discutirme) que una obra de arte sólo es tal cuando resulta generadora de otras obras de arte…, las cuales, añado ahora, han de surgir, cómo no, de los espectadores (en cuyo caso, como decía, no serían tales). Pues bien, si algo de esto es más o menos aceptable, el espectador goza de un papel protagonista —si es que cumple su papel— o se queda en la más estéril de las nebulosas —si es que se conforma con mirar—.

Comprenderán quienes me sigan que hablar seria y sesudamente de este personaje descomprometido es cosa algo incómoda y sobradamente gratuita. Sin embargo, el mundo es de los espectadores, no sólo porque son muchos más, sino también porque, pensando en su doble aspecto cuantitativo y cualitativo, el autor crea para ellos —a su gusto, podría decirse— el producto del esperado éxito.

Así que, contradiciendo mis anteriores aseveraciones, el espectador “existe mucho”, es muy visible y es muy influyente. Más aún, y contra lo que la tradición enseña, el espectador del arte tiene más dominio sobre el producto que consume del que es normal en otros campos de la cultura y de la industria; o, para decirlo más resumida y atinadamente, de la industria de la cultura.

No es, pues, cierto, hoy por hoy, que el artista sea un ideador a cuyas decisiones se ha de adaptar el amante del arte… Eso ocurre muy pocas veces (aunque esas veces sean las únicas que merecen atención). Estoy llegando a un punto en el cual podría despachar el tema de esta intervención diciendo que la distancia arte-espectador es más corta que nunca, aunque los pregoneros de la cultura interesada digan lo contrario.

Los artistas del momento hacen lo que el espectador demanda de ellos, incluido aquello que, en apariencia, irrita a dicho espectador. Tengo para mí que el creador que mantiene a distancia a los seguidores (¡aun respetándolos, precisamente por eso, como nadie!) es el que les dice (atención: les dice) las cosas más sencillas con las palabras más claras.

Se me ocurre, a este respecto, un ejemplo chocante: quien lee las críticas de arte —el espectador de las críticas, por así decirlo— lo que espera es no entenderlas y lo que le desespera es ver a las claras lo que dicen. Su ilusión está puesta en que todos esos personajes que se citan en los textos críticos le sean desconocidos y sus juicios, enigmáticos. Su mayor desencanto, por el contrario, viene cuando se topa con alguien que habla por sí mismo; es decir con alguien tan “inculto” como él.

El espectador del arte está muy cerca del artista mecánico y bien educado, del artista que hace una obra incomprensible para sus entendederas. Pero es lógico: el espectador, prototipo de la persona pasiva, se halla sentimentalmente muy en la onda del creador de moda, o sea, del autor de “lo que hay que hacer”. Se juntan, pues, el pan con la buena gana. Y en este caso, paradigmático por lo frecuente, sí que existe el espectador, sí que no existe el arte. Un arte móvil, evolutivo, disconforme e indócil no puede tener espectadores, y éstos, o se convierten a su vez en creadores revolucionados por lo que ven, o se alejan a otros campos más cómodos, en los que su afición no pase de ser eso: afición, pero no acción.

Llegados a este punto, quiero hacer una advertencia sobre la coloquial sensación de que la gente no va a las galerías o no compra obras de artistas. Tal cosa, con ser cierta, sólo revela el servilismo del espectador, el cual no asiste más que a aquello que se le impone suficientemente. La mayor o menor distancia entre una y otra obra de arte, incluso entre uno u otro lugar de exposición, y la presencia de espectadores no guardan relación alguna con el estilo o la comprensibilidad del trabajo mostrado, del mismo modo que la venta de arte no está en razón directa con su asequibilidad.

El espectador, por regla general, no elige lo que quiere ver. Ahora bien, si es un espectador al uso, lo que sí hace es elegir entre “lo que debe ver”. Pero nada más. Después de todo, el espectador es consciente de que su categoría no existe en el auténtico mundo del arte, ya que una respuesta a esa cuestión le llevaría a desaparecer.
La expectación, en sí misma, se fomenta o se amaina no por el carácter del arte del momento ni por el estímulo creativo, sino por una difusa y ajena conveniencia social. No hay espectadores natos, sino víctimas propiciatorias de la circunstancia cultural.

SEMINARIO DE CINE EN BELLAS ARTES, UCM


"Hola a Todos. Estamos preparando un seminario de cine. La idea inicial (ya comentada con algunos de vosotros) es hacer algo que otorgue continuidad a "Cine y Percepción", pero con un planteamiento nuevo, más abierto, sin la necesidad de someterse a un programa de contenidos predefinidos.Sería bueno que quienes tengáis interés en ello me lo hagáis saber por correo electrónico, para contaros cómo se está perfilando la propuesta y porque me gustaría que hubiera un comité de gestión que canalizara propuestas concretas. Mi intención es que comentéis esta iniciativa a quienes puedan estar interesados. Saludos afectuosos,"
Enrique Domínguez Perela


Para quién esté interesado ponerse en contacto con: edperela@gmail.com

miércoles, 27 de octubre de 2010

Fotos "Antes que antes" en la Trastienda de Bellas Artes:

lunes, 18 de octubre de 2010

"Antes que antes" mañana en la Facultad de Bellas Artes de Madrid a las 19:00 h.

miércoles, 6 de octubre de 2010

LIVIO TRAGTENBERG:

Livio es un artista brasileño autodidacta que está en estos momentos en Madrid para enseñarnos su trabajo. Habla de improvisación, de la historia personal de cada uno como medio mezclador de la música de otros. No le interesa su propia música.
Para él, no importa la identidad del músico individual, sino la del grupo. Experimenta con el sonido musical de una forma en la que la participación del otro es lo importante y el espectador reciba algo inteligible. Comentaba que contruimos nuestro CV como CMorti, coleccionando cosas, logros como medallas y que eso no le suscita ningún tipo de interés, que hay que salir de los clichés del artisteo.
No le interesa quedarse aislado, solo el presente, el ahora con otros. Participará en la Bienal de Sao Paulo 2010 cuyo tema es la Política y el Arte.
Juega con la temporalidad musical de su obra. Idea de interrupción de sonidos. Le interesa el Arte popular del principios del siglo XX, así como las interfaces entre público y artista, dinamismo e intercambio = comunicación (referencia al Romanticismo).
Musicalmente, se encuentra influido por la tradición Barroca de su país.

En cuanto al arte sonoro experimental actual (ruido, como nos demostraba) es un horror. Es ruido que no aporta nada al otro y no puede ser considerado Arte porque se queda en el medio de nada. Hay que escapar de los propios clichés y crear coherencia  dentro de lo incoherente. Lo complejo es la idea, los recursos técnicos deben hacerte sentir cómodo trabajando con ellos. En ese caso, utilizar herramientas simples puede ayudarte.

El tiempo de la creación es imaginario, acumulativo. Le gusta la idea de mezcla, nada de tribus urbanas que "definen" y separan del resto.

Siempre es estimulante recibir puntos de vista diferentes con un discurso propio sólido.

jueves, 30 de septiembre de 2010

DERECHOS DE AUTOR:

Y en esto del arte, ¿hablamos de compartir conocimientos o de uso indebido de la información?

http://www.youtube.com/watch?v=4Y7nZnipPH8

martes, 14 de septiembre de 2010

jueves, 9 de septiembre de 2010

viernes, 3 de septiembre de 2010

Boikot en clase de Lacan
Echando un vistazo al trabajo de un compañero, Eduardo Costa, mientras hablaba de nuevos lenguajes y palabras, de invención y ciencia, descubrí un vídeo de Lacan "El lenguaje no existe", que forma parte de su discurso.
Eso me permitió conocer otro vídeo del año 72 "Boikot en clase de Lacan", año que empieza a llenar espacios de mi memoria. 
Es una performance en toda regla muy curiosa.

miércoles, 1 de septiembre de 2010

Sellos para la Galería Estampa. "1º Aniversario de sentARTE como quieras"
Exposición colectiva "Mail Artistas Complutenses"
Mañana Jueves 2, a las 19,30 h en la calle Justiniano, 6 - Madrid.
Metro Alonso Martínez

viernes, 27 de agosto de 2010

Una Plaza de la A6

Dicen, que toda ciudad o pueblo que se precie, tiene una Plaza Mayor. En el Km. 303, había una. Era una rotonda con una gran fuente central que se ha sustituido por otra mayor peatonal. La nueva, ha sido todo un acontecimiento para los habitantes que han seguido con detalle la construcción de la misma. En su inauguración a principios de este mes de agosto, escuchaba todo tipo de opiniones acerca del resultado, sus farolas, bancos, fuentes y flores. Hace apenas 48 horas, estaba poblada de terrazas, verbenas, gente, motos, bullicio, etcétera, reuniendo a todos en un espacio público a cualquier hora del día para su disfrute.

Las fachadas que la abrazan, permanecen silenciosas en el frío de la noche que parece recordarnos, que el verano se acabó aquí. Mientras, la joven Plaza amanece tranquila.
 
No recordaba la ausencia de una.
"Los Caminos de Santiago en el Camino de Santiago"
Gabriel Díaz
Real Colegiata de San Isidoro, León, España
















(Texto de Gabriel Díaz sobre su proceso creativo y discurso)
"Al igual que toda la obra videográfica sobre diversas peregrinaciones a lo largo del mundo en la que llevo ya trabajando más de cinco años, el proyecto “Los Caminos de Santiago en el Camino de Santiago” es la consecución lógica de toda una trayectoria que le precede.

Viajar y caminar por lugares naturales viene ya de mis comienzos en el Land Art como escultor.

Coleccionar indagando las múltiples posibilidades ha sido a sí mismo algo recurrente en mi trabajo.

Series infinitas como “Apilamientos”1 (serie de apilaciones de rocas en vertical que pretendían un equilibrio superlativo), “Visiones”2, “Tormentas”3 (ambas series, dibujos de base geométrica que indagaban sobre la creación de la materia), “Entradas a una cueva de luz”4 (video-instalación de más de cuarenta salidas desde la oscuridad de la cueva al exterior, en las que en su recorrido se mostraban las formas caprichosamente cambiantes de cada salida en formas saturadas de luz),

“La cueva iluminada”5 (serie fotográfica de panorámica completa realizadas desde el interior de diferentes cráteres de Canarias), son muestra de ello.

Un camino en el que la exigencia personal se ha ido manifestando a través de una evolución paulatina de depuración tanto material como conceptual, es lo que al fin ha desembocado en esta producción videográfica en la que me hallo inmerso y en la que ya no existe la manipulación del entorno y la materia, sino como me gusta decir, tan solo la “recogida de datos” que luego serán la muestra.

Muestra que consiste en la inmersión del espectador en otro ambiente y lugar mediante un retroceso o acceso a la raíz del sabor estético más allá de lo cultural y que surge en la contemplación de lo natural.

“Los Caminos de Santiago en el Camino de Santiago” comenzó siendo la contrapartida occidental al fenómeno de la peregrinación oriental (Tíbet) y sus lugares naturales considerados sagrados que he recogido en video-instalaciones como “Gang Rimpoche”6, “Jonkang”7, “Mapam Yum”8, “Nam Tso”9 o “El aliento del Chomolunga”10.

Desde mi punto de vista la búsqueda de espiritualidad al margen de lo religioso es una constante en el arte que se manifiesta continuamente bajo diferentes aspectos: lo invisible, lo abstracto, lo poético, lo conceptual... y es en la peregrinación donde este fenómeno aúna por fin lo físico y lo espiritual.

Algo que a su vez podía ser obra. Algo que impregnado de valores estéticos, a la vez recogía en sí mismo la esencia a una manera de pensar concreta, la filosofía y modo de vida de diferentes culturas.

Comencé realizando el vídeo que corresponde con el Camino Francés pero su singularidad, aunque sí denotaba el concepto vacío propio del pensamiento occidental, el camino como lugar, lo basto como singular, resultaba escaso. Así es como surgió la necesidad de ampliar el trabajo a otros trayectos del Camino de Santiago. El objetivo inicial estaba cumplido. Pero porqué no ir más allá y prolongar e indagar en los caminos que hermanaron durante siglos a los países europeos y que hoy en día son ignorados, apenas reconocidos. Esa idea de enfatizar lo social, la hermandad,
 la unión sin la cual ya no podemos ser entendibles es la que promueve este proyecto.

La técnica utilizada, es la de ir fotografiando cada pocos pasos y a ritmo constante el trayecto del camino andado. Posteriormente la consecución de todas esas imágenes fotográficas, pasan a formar parte de una animación gracias a un programa de edición informática cuyo resultado es una imagen hipnótica en la que el espectador en primera persona es conducido a través del recorrido.

Imágenes encadenadas, reminiscencias de un pasado artesano escultor, son las que generan esta hipnosis que te lleva vacía de pensamientos por un camino continuo, lleno de transformaciones y cambios de rumbo a un desenlace que en este caso es en Santiago de Compostela".

miércoles, 18 de agosto de 2010

Ritmos













Tradiciones y fiestas siembran el país con pendones, coronaciones de reinas, mercados medievales, verbenas, exposiciones de pintura y peñas durante el tiempo estival. Se repiten año tras año y los pueblos y pequeñas ciudades reciben a turistas y antiguos paisanos que un día emigraron a esas urbes que les ofrecían mejores posibilidades donde cohabitan con las miradas escrutadoras en el espacio habitado, la paranoia y el terror, el temor generalizado, el miedo al otro, los entornos blindados, el control permanente,  la exclusión social (ver a José Miguel G. Cortés en su ciudad cautiva) y las relaciones líquidas. En vacaciones, algunos, retornan a sus lugares de origen a pasar un tiempo de asueto donde los ritmos y los tiempos, son distintos a los de la ciudad. Todo es mucho más tranquilo, las tradiciones son firmes, hay menos servicios, se habla, se saluda frecuentemente, se conocen todos, se permiten más libertades y siempre hay alguien que ha observado lo que ha hecho el otro. También es muy importante el ver y ser visto así como las apariencias. No hay cámaras de seguridad, los coches se pueden dejar abiertos, los bolsos encima de las sillas sin riesgo de ser sustraídos y gallinas y pasajeros viajan en un mismo espacio a los pueblos colindantes.

Pero pese a estar en un sitio o en otro, todos estamos expuestos a una subjetividad e identidad colectiva, donde lo diferente o fuera de norma dentro de cada contexto, se establece en muchas ocasiones como una corriente en la que todo vale, donde más es menos, se conjuga la opresión y la liberación, conduciéndonos más de lo necesario, a una mercancía como espectáculo. El arte como experiencia, como mecanismo de comunicación, como "manifiesto de", como proceso, componente estético, económico o social, es una herramienta que quizá, no debería formar parte de esa mercancía que inunda los ritmos de las comunidades.

lunes, 2 de agosto de 2010

EXPONEMOS EN ESTAMPA 2010
"Mail ARTistas Complutenses"





Luis Mayo ha vuelto a convocar a artistas de la Facultad de Bellas Artes de Madrid para este nuevo proyecto (sellos de aniversario) que se realizará junto a Manolo Cuevas (director de la Galería Estampa) y Julio Contreras (coordinador de la Casa del Estudiante de la UCM).

El viernes 2 de septiembre a las 19:30 h, en la calle Justiniano, 6 de Madrid, será la inauguración y está invitado todo aquel que quiera acompañarnos.

viernes, 30 de julio de 2010

Biblioteca templaria en Ponferrada



Inaugurando ayer la exposición permanente de Templum Libri, este espacio de piedras y leyendas convertido en un castillo que empezó a reconstruirse a partir del siglo XI hasta nuestros días, comparte con el ciudadano facsímiles de Módena, el Codex Calixtinus, el Libro de Kells, atlas, códices y bestiarios que asoman a la luz en una época de redes sociales y libros digitales.
Estas joyas, refuerzan el imaginario colectivo actual con "realidades" muy lejanas en las que la cultura era un bien escaso.
A esta nueva contribución del saber se le apoda "la otra biblioteca imposible".


Biblia de León (Codex Gothicus Legionensis) del año 960 ilustrada por Florencio

martes, 20 de julio de 2010

La agónica espera del Teatro Pérez Alonso



Mientras Richard Florida, en las ciudades creativas, nos habla del lugar en el que vives determina una parte importante del bienestar y la felicidad personal, me pregunto cómo lo afrontarán las personas que viven en medios rurales o pequeñas ciudades donde el espacio público permanece cerrado a la espera de un algo futuro. La falta de presupuesto de los ayuntamientos para abrir teatros o museos inacabados, las bibliotecas con infraestructuras obsoletas y pocos recursos, la inexistencia de programas culturales para el ciudadano, la poca inversión empresarial, etc... hace que las gentes de esas tierras viva los largos inviernos ajena al mundo y su desarrollo.
Los mass media así como el acceso a internet, son herramientas que existen, pero no generan lo que ellos anhelan y no llegan a todos.
No hay cines, ni centros comerciales, ni teatro, ni lugares que inciten a la reflexión cultural, ni tai-chi.
Eso no es hablado en las grandes ciudades, no genera riqueza ni interés para otros, quizás en estudios antropológicos o sociológicos. No se habla en profundidad del espacio público en zonas rurales que no evolucionan con los años al haber sufrido un éxodo masivo de población a las urbes y posibles alternativas.
Y sus edificios, agonizan.
Y sus pobladores ya no creen en utopías.

lunes, 28 de junio de 2010

Inframince, Thierry Davila en CA2M

Eau de Voilette, Duchamp, New York, 1921

Thierry comenzaba con Plinio el Viejo. Este decía, que para hacer algo bello, debía escapar a los sentidos.
Duchamp y su obra "Air d' Paris", con aire de París dentro, creó el concepto de Inframince, lo invisible en 1935.
Lista de anotaciones de Duchamp para definir Inframince. La nº 4, por ejemplo, "el calor de un asiento que alguien acaba de abandonar".

Durante la ponencia, Davila hacía una reflexión sobre:
- El error produce sentido.
- Pascal y su tratado elemental de geometría de cuatro dimensiones.
- Robert Barry y la bombona de gas inerte, materia radioactiva, ondas sonoras en una habitación.
- El aliento embotellado de Duchamp.
- El teatro de Divadlo.
- El artista como fenomenólogo, analista de lo imperceptible.
- Estrategia del camuflaje y el silencio en los '60 por parte Duchamp.
- Tema anacrónico, relación de la identidad de la obra y la desaparición de lo mismo.
- Relación de lo invisible de Rafael y Duchamp.

viernes, 25 de junio de 2010

Jornadas del estudio de la imagen



“En aquella habitación había un grupo de tipos intentando pensar. La mayoría éramos prima donnas, y de vez en cuando dejábamos de pensar para intentar extraer un epigrama. Pero aún así, un grupo de tipos intentando pensar. Aún más difícil, estábamos intentando pensar en voz alta e intentando comunicarnos unos con otros, intentando poner en claro cosas que nunca habían sido aclaradas”
Carta de Gregory Bateson a Charlotte Devree, 8 de septiembre de 1949 , Mesa Redonda en el MOMA sobre Arte Moderno

José D. Cuyás, revista Acto
Ernesto Oroza
"Arquitectura de la necesidad #21"
Derechos culturales
Cultura y desarrollo

http://www.culturalrights.net/es/
Del conocimiento a la creencia, de la crítica a la producción de subjetividad
Maurizio Lazzarato

http://transform.eipcp.net/transversal/0808/lazzarato/es#redir#redir

miércoles, 23 de junio de 2010

"Si tuvieras que hacerle una pregunta a Dennis Oppenheim, ¿qué le preguntarías?"


"El perfecto cerdo", María Cañas

Así se presentaba este reto hace unos meses en Proyectos de la mano de Lila, después de una conferencia de Dennis en el MNCARS, encuentros Pamplona 72.
El medio para plantear dicha interrogante, era el blog de la asignatura. Nunca me había sentido tan responsable de las palabras como en ese momento.

Hoy, sin esa "red de seguridad", le he preguntado a María Cañas en las XVII Jornadas de estudio de la imagen.
El susurro de las imágenes en el CA2M, Móstoles.

Roland Barthes con su madre

Todavía en plenas jornadas de estudio de la imagen, es importante hacer una reseña aunque quede una sesión para finalizar.
Días intensos de debate, exposición de propuestas, comentarios, encuentros, desencuentros, impresiones, conocimiento, reflexiones y un largo etcétera muy satisfactorio.

Somos un grupo amplio de gente: compañeros de facultad, conocidos y caras nuevas.

Aurora F. Polanco arrancaba con el ruido mediático, la contaminación visual, sobresaturación, implosión de conocimiento...
Empezó con su ponencia Ernst van Alhen, luego, Fontcuberta, Greg Hayes, Rosángela Rennó, Amy Budd, Thierry Davila, Ernesto Oroza, José Luis Aguilera, María Cañas y Marko Stamenkovic.

Grandes momentos, algunos controvertidos, otros, muy divertidos. Turnos de preguntas, breves descansos, cierto cansancio y muchas ganas en un buen ambiente, le dan mayor expectación al día de mañana.

Posteriormente, será tiempo de desmenuzar tanta riqueza.

domingo, 20 de junio de 2010

Zerkalo. Tarkovsky, 1975


http://www.youtube.com/watch?v=dweiGyjxhHs

viernes, 18 de junio de 2010

"Voy a salir y puede que tarde un rato", murmuró Lawrence Oates

Pintura de John Charles Dollman


Carmen rondaba los 92 años pero aparentaba menos. Había gestado a seis vástagos y le acompañaba el más pequeño, que había sobrevivido a los contratiempos de una época.
Con paso lento, se acercaron a la casa en venta. Abrieron la puerta, levantaron persianas y acondicionaron todo en espera del invitado.
Corrían tiempos difíciles, pero Carmen, seguía ilusionada con su proyecto de vida. Si salía bien, habría conseguido su deseo.

No apareció nadie.

Después de hora y media de preguntas sin respuesta, decidieron irse.
La calle anochecía vacía y el frío de la montaña nevada, acompañaba sus manos y pensamientos.
Carmen no quería irse sin dejarlo solucionado y el tiempo, parecía no esperar.

Horas después, soñaba en silencio tras la ventana, como todos los días.

miércoles, 16 de junio de 2010

Glenn Gould interpretando a Bach
Ellen Frank, 1929

by László Moholy-Nagy en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
"Yo no soy luchadora" decía Carmen Laforet


También lo decía Astrid a través del aparato telefónico una tarde inestable de verano en la que se respiraba la tierra, mientras su voz, se quebraba. Había experimentado grandes decepciones, frustraciones y desencantos a lo largo del tiempo. Le faltaba autoconfianza.
Asimismo, perseguía un sueño, escribir.
¿Cómo consolarla desde la distancia?
Entonces, contó el terrible secreto y, al finalizar la llamada, parecía más aliviada.

Y empecé a llorar.

Y recordé las palabras de Carmen.

sábado, 12 de junio de 2010

El amor y el éxtasis

Photoespaña 2010 se ha instalado temporalmente aquí. Con el eslogan "siente cosas", no sé qué causa mayor vértigo en dicha localización, la altura entre las escaleras o lo que hay dentro, un recorrido antropológico visual al que la retina no acaba de acostumbrarse en estos lares mediterráneos.
Mi mente jugueteaba durante el itinerario expositivo con el mundo inocente de Barley, la procesión de Vito, Cristina García Rodero, los tiempos rítmicos, la corporalidad o el estado de trance.

Isabel se introdujo en un mundo masculino de difícil acceso que no forma parte de las rutas turísticas habituales en aquellas regiones.

Con los pies ya en tierra, surgían cuestiones como: ¿qué grado de espontaneidad o representación existía allí al saberse grabados o fotografiados para un cometido tal? Aunque haya un autocontrol corporal que evita el dolor, ¿Habrá muerto alguien al no llegar a alcanzar esa divinidad tan ansiada con algún tipo de consecuencia extraordinaria para el que se queda o se va? ¿Dónde estaban las mujeres en ese éxtasis? ¿Tendrán sus propios rituales? ¿Serán estas ceremonias, fuente de inspiración para David Nebreda aunque los objetivos de cada uno sean totalmente opuestos?
Ciertamente inquietante.

martes, 8 de junio de 2010

Mientras te miraba...


Lo malo es que, además de la inseguridad, es posible que también desaparezcan de las calles las principales atracciones de la vida urbana, como la espontaneidad, la flexibilidad, la capacidad para sorprender y ofrecer aventura. El sustituto de la inseguridad no es el éxtasis de la calma, sino la maldición del aburrimiento.
Zygmunt Bauman

viernes, 4 de junio de 2010

Cama: símbolo polivalente que se refiere tanto al nacimiento, la consumación sexual y la muerte. El carácter sagrado de lo que sucede en el lecho, la petite mort, ese instante postcoital, la pequeña muerte cuando se produce el orgasmo, la pulsión sexual del Eros y el impulso de destrucción, el dolor que nos conduce a la muerte, el Thanatos.
La posición horizontal del lecho corresponde a la de la tierra, que tiene similitudes, dadora de vida en un sentido y receptora de muerte en otro. Tierra, lecho y sepultura, participan de la quietud y pasividad propias de la horizontalidad. Refleja inercia, quietud y muerte.



Heureux qui peut dormir sans peur et sans remords dans le lit paternel, massif et vénérable où tous les siens sont nés aussi bien qu'ils sont morts.
José María de Heredia, Los trofeos, 1893
Inventando una infancia cruel, últimas tendencias:
Alma, Rodrigo Blaas, 2010

jueves, 27 de mayo de 2010

¿Qué está pasando con IFEMA y las galerías participantes en ARCO?

Hay un dicho que dice: En mi casa mando yo, pero ¿qué pasa cuando hay varias casas en un mismo espacio? ¿quién manda en realidad ahí?
Se lleva oyendo mucho ruido últimamente con esta cuestión y, los desacuerdos generados, proclaman cierta inquietud sobre el liderazgo en las ferias de arte.
¿Será que el Arte como mercancía está cambiando? No sé, pero las palabras feria y arte en una misma frase causan un cierto horror al que es difícil acostumbrarse.

Arteinformado publicaba la siguiente noticia el 25 de mayo de 2010:
Una Asamblea de Galerías Participantes en ARCO, celebrada esta semana en el auditorio del Reina Sofía, acordó emitir un comunicado -firmado por 70 galerías entre las que no figura Juana de Aizpuru, fundadora del certamen-, en el que se solicita 'la retirada del Sr. Luis Eduardo Cortés de las futuras negociaciones' y se recuerda que es 'la última opción para salvar una feria que ahora está en estado crítico'.

http://www.arteinformado.com/Noticias/1745/guerra-abierta-entre-ifema-y-los-galeristas-en-torno-a-arcomadrid/
En esta página se puede leer el comunicado de galerías del 24 de mayo de 2010.

lunes, 17 de mayo de 2010

Carmela García nos contó en Metrópolis:
Lunes, 17 Mayo de 2010, sobre las 00:05 h.

Hablamos de identidades.
Uso formal de la fotografía "porque llega a mucha gente y gusto personal" con escenarios femeninos en lugares estéticamente determinados.
Hace vídeo, “nº1” en 1999, por ejemplo, que usa como una cámara fotográfica donde suceden cosas en el 80% de los trabajos.



¿Qué cosas suceden? ¿qué está contando? ¿para quién tiene interés? ¿a quién va dirigido? ¿qué me cuenta su discurso?
En su exposición “Constelación” que ha inaugurado recientemente en el Musac, hace un recorrido por una casa (no queda demasiado claro), que nos habla de una época, con imágenes en gran y medio formato.

También aparece un mural (cartografía) como su cuaderno de trabajo con la idea del collage. Plantea cuestiones. ¿Cuáles? Habla del proceso de trabajo reflejado en el mural y “eso es la exposición”.
Hay un espejo con nombres de personajes en 4 núcleos vinculando a los personajes (parejas de mujeres).

¿Hablamos del mundo femenino lésbico o de la mujer en general?

Representa a mujeres artistas o con gran connotación social en una época determinada

¿por qué?


La parte escenográfica, nos transporta a la parte espacial de las vidas de las artistas con storyboards y productos visuales.
Actrices famosas como representación de esas artistas.

Se llega a una conclusión final, “su trabajo la presenta a los ojos de otros y le enseña cosas de sí misma”.

La exposición del Musac está comisariada por Alberto Martín, donde nos dan mayor información en su web acerca del trabajo de Carmela.

Entonces, ¿quién genera el discurso de un proyecto artístico, el comisario o el artista? ¿por qué hay tanta diferencia entre lo que cuenta la propia artista y lo que se publica en la red, en un folleto o relata el comisario? ¿realizar un trabajo tan determinado y largo, no permite un lugar para una reflexión más profunda por parte de la persona que lo origina, o sea, la artista?
¿debe saber defender y exponer el artista verbalmente su trabajo de forma coherente ante los demás?
¿Hablamos de terapias personales, arte-terapia? ¿Importa que haya tal discurso por parte del creador o sólo el resultado formal?

¿El artista no da respuestas, genera preguntas? ¿cuáles?

sábado, 15 de mayo de 2010

Diana Scultori Ghisi ó Diana Mantova


Latona dà alla luce Apollo e Diana sull'isola di Delos, c. 1580
Incisione, 25,8 x 38,4 cm
Madison, Wisconsin, Elvehjem Museum of Art
Susanna Horenbout


Pintora minimalista 1503-1545

Si Susanna era pintora y Durero, según dicen, sorprendido de que "una mujer pudiera hacer tales cosas" le compró uno en mayo de 1521, ¿dónde está ese cuadro? ¿cuál es? ¿qué pintó realmente ella, su padre o su hermano?
Catalina de Mendoza

Granada 1542-1602
Pintora, escritora entre otros.

jueves, 13 de mayo de 2010

Último proyecto Foto 3:


Mañana toca día de salida o deriva al más puro estilo Valentín Sama: "Vete a un sitio y cuéntame qué ves".
Así que, tocará elegir un barrio desconocido y ver cómo responde el CMOS con lluvia.

domingo, 9 de mayo de 2010

Debajo del sombrero en Bellas Artes.



En el taller de escultura, tenemos a esta asociación trabajando con artistas discapacitados intelectuales codo con codo con el resto de estudiantes.
En la presentación de mi proyecto final de Procesos técnicos escultóricos con José Luis, saqué a Oskar, mi muñeco fetiche y se acercaron Belén (una de las artistas de la asociación) y Lola Barrera que andaban por allí y por fin, nos conocimos.
Charlando con ellas, Belén tenía fascinación por aquel muñeco y le daba vueltas sin cesar, intrigada con sus atributos y la disposición que había hecho yo de ellos ante mi perplejidad por su interés.
Belén pinta, hace esculturas y anda ahora con video arte, donde combina la ingenuidad con lo oscuro. Ha presentado su trabajo recientemente en el Matadero, "Al matadero sin miedo". Aún no conozco su obra demasiado, pero no será por mucho tiempo.

La asociación está trabajando en estos momentos en La casa encendida y el Matadero.
La semana que viene, me acercaré más a su mundo para compartir experiencias, que se basan ante todo, en una formidable sinceridad y generosidad.
http://www.debajodelsombrero.org/
David Pujante en Bellas Artes de Madrid.



El jueves 6 de mayo, día de múltiples encuentros y conferencias en nuestra Facultad, Mercedes Replinger invitó a Pujante para dar una charla a sus alumnos del Máster y por proximidad, a los de Últimas Tendencias.
Aquel hombre, nos habló de la melancolía extrema, el delirio de negación o el sujeto que se devora a sí mismo en la literatura y el arte del siglo XX. El ejemplo de David Nebreda.
Pujante se dedica a la literatura “comparada” desde la filosofía, literatura, arte, etc en la Universidad de Valladolid. A título personal, decir que era una fuente de saber, generosidad y humildad maravillosa.
Partió del problema XXX de la escuela aristotélica, el hombre de genio y melancolía. ¿por qué los hombres excepcionales suelen ser melancólicos...?


La enfermedad (bilis negra) de los 4 humores de la antigüedad.
Cuando hay un exceso de bilis negra, es cuando se produce la enfermedad, pudiendo ser transitorio o permanente. El problema está en cuando es permanente.
Para ello, pasó por el aforismo 23 del libro VI de los aforismos de Hipócrates, el problema XXX Pseudo Aristóteles y la carta de Damageo.
Verso 163 Absalom y Achitophel, 1681 de John Dryden.
Marsilio Ficino.
El siglo de las luces quería racionalizarlo todo, pero la melancolía no entraba ahí, cambiando eso en el Romanticismo.
Los rasgos de genialidad (patología) en ocasiones, llevan al artista a realizar obras de arte extraordinarias.
Pero fue Gottfried Benn en 1920 cuando se dio cuenta de cómo iban a evolucionar las cosas con “El problema del genio” y “Genio y salud” en 1930, alabando la creatividad y enfermedad como algo demoníaco. Benn exponía que se intentaría llegar a una igualdad social en todo, en el talento, integración social y estamos en la época de la globalización, pero es imposible, pues siempre hay personas que se escapan a ese concepto y no tiene nada de malo. Sería una ironía.
En la normalización de la sociedad, lo que está fuera es patológico y hay que acabar con ello (psicólogos y psicoanalistas) ¿por qué? ¿no habría que alabar la diferencia?.
Tenemos por ello un ejemplo bien curioso, Leopoldo Panero y sus escritos frente a su personalidad o Schönberg, creador del sistema dodecafónico musical autodidacta que pintaba aquella “Mirada roja” en 1910.
Thomas Mann en “La montaña mágica”, la gran novela de la enfermedad, ésta, te hace ser consciente de tu corporalidad.
El artista enfermo, desde la enfermedad se potencia la creatividad (no tiene que ser siempre así, hablamos dentro de un contexto).
Jules Cotard. Delirio de Cotard sea posiblemente lo que sufre Nebreda, con el delirio de negación, el sujeto se devora a sí mismo.
Existe en Nebreda un tema recurrente, el autorretrato, la relación entre el delirio y la creación artística.

Esta exposición de datos que iba dando David Pujante, era mucho más rica en entendimiento y conocimiento de lo que yo he manifestado, muy bien relacionada e hilada que diluyó dudas que existían en mi concepción de argumentos que se han ido planteando una y otra vez a lo largo de mi carrera, aún sin resolver. Él no dio nada por supuesto ni como verdad absoluta, pero establecía un sistema coherente de hacer. Ahora, toca afianzar propuestas desde una buena base.

sábado, 1 de mayo de 2010

jueves, 29 de abril de 2010

Esto se acaba.


Apenas queda 1 mes para cerrar un ciclo y como esto del arte tiene algo de expresión, allá que me lanzo.
Ahora se lleva mucho el tema de las iniciales para mantener oculta la identidad de alguien, darle mayor relevancia y estrujarte los sesos para adivinar de quién hablan. Me hace mucha gracia y voy a sumarme a esa moda para hacer agradecimientos tipo los Oscar, a esos que han marcado un antes y un después en todo esto de poner un proyecto en tu vida, porque como he dicho, esto se acaba y me apetece hacerlo (Hi! Yo misma). El orden de factores no altera el producto.


- M., por los largos debates.
- R., por su amabilidad.
- E., venga, vale, yo también te quiero.
- K., me ha abofeteado con la realidad más dura de la que no quiero sacar provecho. Gracias por recordármelo y llamar a las cosas por su nombre.
- M. F., se acabó hacer de cobayas para mis trabajos de la facultad. Es el último año, lo juro. Eso es fe y lo demás bobadas.
- M. A., por echarme el responso incansablemente.
- I., que vivió la locura y muerte agonizante de una ardilla, ánimo. Un fuerte gracias por sorprenderme cada día y por hacer magia.
- A la otra que fue poseída por Santa Teresa de Jesús.
- C. y V., por mostrarme otras realidades.
- V. S., por restarle importancia a las cosas.
- M. E. C., por adoptarme.
- A. M., por tu creatividad a la hora de hacer.
- H. L., por no darme más sustos.
- W. E., por acompañarme unos minutos.
- U., M. e I., por ser tan valientes tan pronto.
- Y a todos y cada uno de los que han pasado de una manera u otra por mi vida en estos 5 años de carrera.

martes, 27 de abril de 2010

Cartografía Meipi
Tema ORLA ALTERNATIVA GRATIS:

Vuelvo a repetir la dirección para que enviéis los que queráis la foto tamaño carnet y resolución 300 ppp para hacer la orla alternativa gratis. Podéis posar como queráis.

orlabellasartes2010@gmail.com

Se amplía plazo de recepción que ahora estoy de entregas hasta arriba.
Gracias por los ánimos.

jueves, 22 de abril de 2010

Margery Kempe:


Considerada la primera mujer del siglo XIV que escribió su autobiografía en lengua inglesa.

miércoles, 21 de abril de 2010

Algunas mujeres encontradas:

- Margarita de Angulema
- Anne Locke o Anne Vaughan
- Anne Askew
- Isabella dEste
- Oliva Sabuco de Nantes y Barrera
- Catherine de Parthenay
- Isabel de Villena
- Plautilla Nell
- Fede Galizia
- Marie de Gournay
- Teresa de Cartagena
- Juana de Arco
- Tarquinia Molza
- Teresa Diez
- Violant de Algaraví
- Robusti, Marietta. La Tintoretta
- Giliani, Alessandra
- Anguissola, Sofonisba
- Fontana, Laviana
- Christine de Pizan
- Beatriz Galindo

domingo, 18 de abril de 2010

Se buscan mujeres del siglo XIII al siglo XVI en Europa

Una vez finalizado mi proyecto personal, se puede sacar una conclusión: se asemeja más a un cúmulo de reflexiones que a un proyecto ortodoxo.

Esta semana he descubierto la herramienta meipi de la que ya he hablado con anterioridad. Aunque el proyecto ya estuviese acabado, se podía proponer otra alternativa a las anteriores.
La intención, en un principio, era usar meipi para establecer mi origen y mis movimientos geográficos a través de los años, creando mi propia vida googlelizada con aportaciones propias y ajenas, pero dado que el interés es meramente personal, que no me apetece mostrar mi privacidad que hoy está casi, al alcance de cualquiera y, el para qué, quedaría totalmente sin sentido en este caso, se presenta la necesidad de acotar.
Vuelvo a retomar el statement que se planteó en un principio, el origen a través de otros.

Aunque meipi utilice el soporte de Google Maps, he elegido la opción de mapa sin satélite, pero por defecto sale híbrido. Lo bueno sería poder poner tu propio mapa y cartografiarlo en la época correspondiente, pero me temo, que eso todavía no es posible o yo, lo desconozco.

Por esa razón, he elegido para esta nueva propuesta, hablar de otras personas en un lugar y época determinados y mapear la Europa (por cuestiones meramente de acotación y cercanía) de los siglos XIII al XVI (meipi da sólo cuatro opciones).
A partir del XVI, es más fácil encontrar documentación.

Aunque soy muy consciente del papel de la mujer en la historia y del legado que hemos heredado, no pretendía que fuese una cartografía exclusiva de mujeres, sino que hubiese un equilibrio. Pero cierto es, que la mayoría de las referencias que he ido encontrando son masculinas con un acceso mejor documentado que las femeninas.
Dejando a un lado mi “ingenuo” pensamiento de igualdad (no aplicable a esas épocas), debo centrarme en una realidad que existió y mostrar lo que es más desconocido, la mujer y su aportación a la historia en todos los campos.
Es muy complicado encontrar información, pues en ocasiones, dependiendo del lugar consultado, hay una serie de diferencias o carencias que despistan con facilidad.

Además, es una propuesta colaborativa, pues se puede participar y contribuir a la expansión de la cartografía entrando en la dirección y editando una entrada documentada.
http://www.meipi.org/cartografiaalicia.map.php

jueves, 15 de abril de 2010

Koolhaas Houselife
by Ila Beka and Louise Lemoine



http://www.youtube.com/watch?v=7fLVMyGBFSU
http://www.youtube.com/watch?v=5T0VGV8DaMA

Espero que mis contradicciones no duren mucho más.
meipi
Domenico Di Siena en Paisaje transversal



En 2007, presentaron él y otros 5 componentes (Alfonso, Guille, Jorge, Pablo y Francesco) a Intermediae de Matadero, una propuesta ambiciosa de espacios colaborativos en la red a través de mapas.
Pretendían que fuera el ciudadano el que aportase información del lugar en el que vivían a través de palabras.
La herramienta se ha ido desarrollando en estos tres años, pudiéndose hacer mayores incursiones en el mapa, utilizando la plataforma Google Code.

Puedes crear tu propio meipi a escala de una calle, un país o el mundo, añadiendo conceptos que tengan interés para cada usuario y que otros puedan completar con aportaciones propias.
Un mensaje optimista por su parte en todo esto de lo público y privado en internet, es que somos la primera generación que construye identidades y espacios.

En cada uno está el hacer buen uso de ello y quizás, aunque haya monstruos que nos invadan, se pueda sacar un beneficio positivo para futuros proyectos.

domingo, 11 de abril de 2010

Parte del proceso de preparación de la expo:
Parece ser que lloverá







miércoles, 7 de abril de 2010

Exposición colectiva Alicia Juan Lobato
“Los invencibles”




Inauguración: 13 de abril de 2010, a las 11 h.
Lugar: Los cristales de la casa del estudiante
Frente al metro de Ciudad universitaria
Del 13 de abril al 6 de mayo de 2010
Horario: de 9 a 14 h de L. a V.

Juegos y realidades de solemne firmeza permitidos en la cotidianeidad mediante enfrentamientos de identidades civiles, territoriales, religiosas, verbales, políticas, mediáticas, urbanas, sociales, culturales, ofensivas, defensivas, etc, que desgastan a sectores poblacionales vulnerables llamados, seres humanos.

En mi intervención de los invencibles, he aprovechado el espacio, la luz, el anverso y reverso de los cristales, así como el uso de siluetas de soldaditos de plomo, como metáfora del juego y de la confrontación. Lo que se ve desde el exterior y desde el interior dialogan con un poema de 1875 de William Ernest Henley.

Puede, que haya otras formas de mirar al otro:

En la noche que me envuelve
negra como un pozo abominable
yo agradezco al dios que fuere
por mi espíritu inconquistable.

Atrapado en este circunstancial lugar,
yo he gemido pero no he llorado
ante las puñaladas que me deparó el azar
mi cabeza sangra, pero no me he postrado.

Mas allá de este lugar de furia y de lágrimas
me acosan las sombras con terror.
Pero tantos años de amenazas
me encuentran sin temor.

Ya no importa cual fue mi camino
ni cuantas culpas he acumulado.
Soy el dueño de mi destino
y mi alma yo mismo he guiado.

jueves, 25 de marzo de 2010

ORLA 2010


Bueno, para los que no se hayan enterado todavía.
Se ha propuesto hacer una orla en la Facultad que vale 32 €. Muchos no podemos pagarla y también queremos un recuerdo.
Se me ocurrió buscar una solución y propuse hacer otra orla alternativa sin coste alguno para nadie.

El planteamiento sería el siguiente:
- Promoción 2005-2010 y otros (para los que se licencien este año y para aquellos que les quede alguna asignatura y se licencien el año que viene no se queden descolgados)
- Profesorado: se ha propuesto a varios y es algo voluntario. No hay límite de profesores, todo el mundo que quiera participar será bien recibido. Si os apetece invitar a alguien, genial (son muchos y yo no conozco a todos).
- Se necesita una fotografía tamaño carnet a 300 ppp resolución con la pose que cada uno quiera antes del 28 de abril de 2010.
- Se haría un diseño diferente al clásico, que para eso estamos en Bellas Artes. Se admiten bocetos, ideas, etc.
- Una vez tenga maquetada la orla, le pasaría a cada participante una copia en digital en alta resolución para que la imprima como quiera.

Y por supuesto, no se cobraría absolutamente nada.
Comentádselo a quien queráis, (Erasmus, Séneca, compañeros...).

La cosa se va animando y cuantos más seamos, mejor.
La dirección para enviar las fotos, sugerencias, bocetos, etc, es:
orlabellasartes2010@gmail.com

A disfrutar las vacaciones!!